Создание дизайна персонажа — это долгий и кропотливый процесс, в ходе которого художнику приходится решать множество разных задач. Хотя, если посмотреть на популярных персонажей из мультфильмов, фильмов и рекламных роликов, так сразу и не скажешь: ведь все они выглядят достаточно просто и очевидно! Однако на самом деле за каждым удачным персонажем стоит очень большая работа и профессионализм.
Вы читаете перевод статьи «33 expert character design tips». Переводы — это один из моих способов исследовать возможности в творческом мире. Над переводом работали Настя Никсен и Оля Жолудова.
Создание дизайна персонажа — это долгий и кропотливый процесс, в ходе которого художнику приходится решать множество разных задач. Хотя, если посмотреть на популярных персонажей из мультфильмов, фильмов и рекламных роликов, так сразу и не скажешь: ведь все они выглядят достаточно просто и очевидно! Однако на самом деле за каждым удачным персонажем стоит очень большая работа и профессионализм.
Главное, к чему стремятся художники при создании персонажей — это простота. Возьмите того же Микки Мауса с его тремя пальцами (которыми художники наделили его, потому что в 1920-х годах это значительно ускоряло процесс анимации) или столь элегантного в своей простоте Гомера Симпсона!
Что еще важно учесть при дизайне персонажа? Очевидно, у него должны быть чистые линии и легко распознаваемые черты. Кроме того, важно понимать, какие его свойства вы хотите преувеличить, а какие — сделать незначительными. Еще надо продумать, на каком фоне изображать вашего персонажа, как придать ему глубины, как развить его личность. Ваша техника рисования тоже будет иметь большое значение. Также если вы намерены использовать персонажа в движении или в комиксах, его нужно проработать с разных углов и ракурсов. В общем, нюансов здесь множество.
В этой статье мы собрали советы ведущих художников и иллюстраторов по дизайну ярких, самобытных и запоминающихся персонажей. Многие из этих советов мы собрали в рамках ежегодного фестиваля по дизайну персонажей Pictoplasma, который проходит в Берлине.
01. Будьте открыты новому
Создание нового персонажа — это серьезная задача. На старте у вас может быть слишком много идей в голове (или вообще ни одной!). Поэтому приступив к новому проекту, лучше всего быть открытым свежим идеям — вдохновение может прийти откуда угодно, так что не теряйте бдительности.
По словам детского иллюстратора Флавии З. Драго, для того чтобы продвигаться вперед, важно принимать все свои идеи — даже те, которые могут и не сработать (на первый взгляд). «Процесс никогда не бывает линейным», — говорит она. «Вы ходите туда-сюда, туда-сюда, туда-сюда, и есть творческие решения, которые также меняются под влиянием отзывов издателей». Флаввия считает, что ее концепции «никогда не приходят полностью сформированными». «Идеи приходят к вам разными путями, — говорит она.
Подробнее о творческом процессе Флавии как детского автора и иллюстратора вы можете прочитать в нашем интервью здесь.
02. Поставьте себя на место персонажа
Создание нового персонажа — это всегда и увлекательно, и сложно. Отличный способ собрать воедино все свои идеи и довести их до ума — это поставить себя на место своего персонажа. Когда вы визуализируете свое творение, вам проще уловить те отличительные черты, которые делают вашего персонажа уникальным.
Художница по персонажам Бетси Бауэр подчеркивает, как важно уделить время исследованию своего персонажа. «Я делаю подборки вдохновляющих фото, собираю близких по духу героев, а иногда даже представляю конкретных актеров, кто мог бы озвучить моих персонажей», — рассказывает художница. «Я думаю, что это классный лайфхак! Если вы застряли с проработкой персонажа, визуализируйте актера, чей голос подходит вашему персонажу — и это определит более четкие границы для вашего творчества».
03. Не потеряйте магию
Многие дизайнеры начинают проработку персонажа со скетча. И большинство из них сходятся во мнении, что именно на этапе скетча удается ухватить всю суть персонажа. Поэтому когда будете переходить от скетча к более детальной прорисовке персонажа, постарайтесь не потерять эту магию.
«Я стараюсь придерживаться своего оригинального стиля рисования. Интуиция подсказывает, что нужно просто подчистить то, что уже получилось», — рассказывает Лори Роуэн. «Мне нравится думать, что я не создаю персонажей, а просто встречаю их на своем пути».
«Когда вы только начинаете прорабатывать дизайн персонажа, важно не утонуть в деталях», — рассказывает Пернилле Орум. «Определитесь, что хотите передать, и порисуйте свободные скетчи, чтобы запечатлеть движение, энергию и течение линий. На ранних этапах важно сохранить как можно больше жизни, потому что потом, когда вы начнете дошлифовывать рисунок, часть динамики и так потеряется. Добавить движение на поздних этапах будет практически невозможно, поэтому заложите его на этапе скетча — и постарайтесь сохранить».
04. Отходите от референсов
Референсы важны, потому что вдохновение нужно чем-то подпитывать; но не забывайте, что ваша цель — создать нечто оригинальное. Роберт Уоллес, также известный как Parallel Teeth, предлагает не держать референсы перед глазами непосредственно в процессе работы.
«Когда вы смотрите на референс, а потом пытаетесь воссоздать его смутный образ в своей памяти — вот тогда у вас есть шанс создать что-то новое, а не просто стилизовать чужую работу», — говорит Роберт. На видео выше — новый выпуск популярных «веселых человечков», который Роберт создал для торгового центра в Гонконге.
05. Изучайте других персонажей
Иногда бывает полезно поразбирать готовых персонажей, чтобы понять, почему некоторые получаются такими удачными, а некоторые — нет. Материала для исследования можно найти сколько угодно, ведь иллюстрированные персонажи повсюду: в рекламе на ТВ, на упаковках хлопьев, на дорожных знаках, на наклейках на фруктах, в мобильных приложениях и т.д. Изучайте этих персонажей и анализируйте, почему они такие классные и что именно вам в них нравится.
«Невозможно работать с персонажами без вдохновения», — говорит Орум. «А чтобы поймать вдохновение, нужно много исследовать. Ваш мозг — это визуальная библиотека, которую нужно наполнить. Обращайте внимание на окружающих людей: как они ходят, жестикулируют и одеваются. Всё это можно будет потом использовать в дизайне».
06. … и не только персонажей
Всегда полезно выходить из своей ниши и охотиться за вдохновением в других сферах жизни. «Меня очень вдохновляют брачные ритуалы птиц», — смеется Роуэн. «Их причудливые движения часто рождают в моей голове уникальные черты и повадки, которыми я мог бы наделить своих персонажей».
«Приступая к новому проекту, я часто отталкиваюсь от чувства, которое мне хотелось бы вызвать», — добавляет Роуэн. Дизайнер рассказал, что часто снимает на видео самого себя в качестве референса, а потом старается воспроизвести нужные движения и позы у своего персонажа.
Кроме того, Роуэн вдохновляется керамикой: ее природная текстура и приглушенные цвета вдохновляют дизайнера на создание более живых работ.
06. …но и искать в других местах.
07. Создайте плейлист
Изабель Армитидж предлагает создавать под каждого персонажа плейлист его любимых песен. «Это отличный способ понять чувства персонажа, его вкусы, предпочтения и слабости. Всё это поможет вам создать хорошую историю», — рассказывает художница.
«Кроме того, что это полезно для творчества, это еще и очень весело. Иногда я занимаюсь созданием плейлистов персонажей просто чтобы сделать перерыв».
08. Не упускайте из виду оригинальную идею
Наши любимые дизайны так или иначе находят отражение в наших собственных работах. Иногда мы можем этого даже не осознавать. Корнелия Гепперт, CEO студии инди-игр Jo-Mei, была большой фанаткой The Last Guardian: ей нравилась уникальная эстетика игры и отлично проработанные персонажи.
Когда Корнелия разрабатывала собственную игру Sea of Solitude, одна из сотрудниц в какой-то момент поделилась с ней ощущением, что игра начинает слишком уж напоминать The Last Guardian. Корнелия обратилась к своим начальным рисункам и вернула в дизайн те чувства, которые закладывала на первых этапах создания игры.
09. Преувеличивайте
Приём преувеличения часто используют в мультфильмах и карикатурах, чтобы подчеркнуть индивидуальные особенности нарисованного персонажа. Когда вы преувеличиваете и даже утрируете отдельные черты персонажа, это делает его образ ярче и подчеркивает его отличительные качества. Например, если ваш персонаж сильный, не рисуйте ему просто мускулистые руки — сделайте их в пять раз больше, чем у обычного человека!
Преувеличивать можно не только черты персонажей, но и их поведение. Анна Манцарис в своем иллюстрированном фильме Enough (видео выше) показывает как обычные персонажи проживают самые будничные ситуации — а потом делают что-то такое, о чем, пожалуй, в трудные дни подумывал каждый. «Самое прикольное в анимации то, что можно немного выйти за рамки разумного, а люди будут воспринимать все взаправду», — говорит художница. «Если бы герои вытворяли такое в реальности, это выглядело бы абсурдно. С эмоциями работает так же: в анимации всё можно сделать ярче».
10. Разберитесь, для кого создается ваш персонаж
При создании персонажа нужно всегда ориентироваться на целевую аудиторию. Например, если вы создаете персонажа под маленьких детей, скорее всего в своем дизайне вы будете использовать базовые формы и яркие цвета. «Когда вы работаете на заказ, целевая аудитория почти всегда известна заранее», — рассказывает австралийский художник Натан Юрявичюс.
«Создание персонажа на заказ — это всегда определенные ограничения, но от этого процесс не становится менее творческим. Да, у клиента есть свои запросы и потребности, но он также хочет, чтобы я вложил свой стиль. Обычно, я выделяю какие-то главные черты и особенности характера, которые важно «вложить» в персонажа, и строю образ вокруг них. Например, если клиенту важны глаза персонажа, я постараюсь сделать фокус на его лице, чтобы эта важная черта точно привлекала внимание зрителей».
11. Сделайте персонажа узнаваемым
Какого бы персонажа вы ни создавали: обезьянку, робота или монстра — я вам гарантирую, что где-то уже есть сотни похожих героев. Если вы хотите, чтобы именно ваш персонаж привлек внимание зрителей, его нужно сделать сильным и интересным в визуальном плане.
Когда Мэтт Гроунинг создавал «Симпсонов», он понимал, что зрителям нужно было предложить что-то новое и оригинальное. Он сделал ставку на то, что зрителя, переключающего канал за каналом, привлечет необычный ярко-жёлтый цвет кожи его героев.
13. Проработайте силуэт персонажа
«Еще один способ сделать персонажа более узнаваемым и отточить его позу — это превратить его в силуэт», — советует Пернилле Орум. «В виде силуэта персонаж “читается” гораздо лучше. Проверьте: какую эмоцию несет его поза? Насколько четкая у него линия действия (line of action)? Что можно упростить? Следите, чтобы элементы рисунка не перехлёстывались, а конечности персонажа были четко отделены».
14. Заложите линию действия
Еще один важный аспект персонажа — это линия действия. Она определяет направление персонажа, создает ощущение движения, а также рассказывает историю.
«Постарайтесь сделать линию действия предельно яркой и драматичной», — советует Орум. «Посмотрите на танцоров балета: они максимально протягивают свою линию действия — от самых пальцев ног и до кончиков пальцев рук! А еще, чем меньше у персонажа конечностей, тем более четкой и очевидной получается его линия действия. Поэтому лучшая модель для демонстрации линии действия в деле — это Русалочка».
15. Привнесите личную историю
Создательница «Sea of Solitude» («Моря одиночества») Корнелия Гепперт заложила в основу своей игры собственный опыт переживания одиночества. Игра получилась очень личной, но откликнулась огромному количеству людей, кто тоже сталкивался с этой распространенной, но почему-то табуированной темой.
«Самые сильные творческие работы всегда основаны на личном опыте. Творчество откликается людям, когда оно правдиво», — поделилась Гепперт. «В основе Sea of Solitude — невыдуманная история, хотя она и развивается в вымышленном мире».
16. Для начала найдите характерную позу
Режиссер Уэс Андерсон при создании обоих своих анимированных фильмов («Бесподобный мистер Фокс» и «Остров собак») работал с дизайнером персонажей Фелиси Хаймоз. Художница рассказывает, что всегда начинает создание нового персонажа с поиска его характерной позы. От этого элемента уже можно раскручивать личность и характер персонажа. «Я стараюсь ухватить всю суть персонажа в одной его позе. Он сутулится или сидит прямо и горделиво?» А еще художница подчеркивает, как важно правильно передать выражение лица.
17. Уделите внимание качеству линий
Линии, которыми нарисован ваш персонаж, также могут многое сказать о нем. Плотные, ровные, мягкие и округлые линии характерны для дружелюбных, милых персонажей, а резкие, грубые и неровные — обычно свойственны неприятным, взбалмошным героям.
Орум советует выдерживать баланс прямых и изогнутых линий. «Прямые и изогнутые линии в образе персонажа создают ритм. По прямой линии взгляд скользит очень быстро, а на изогнутой — замедляется. То же можно сказать про простые и более детализированные линии».
Также стоит выдерживать баланс сжатия и растяжения. «Задействуя эти два подхода, вы можете легко направлять взгляд зрителя даже если герой находится в нейтральной позе. В результате ваш персонаж получается более выигрышным», — подсказывает Орум.
18. Учитесь краткости у комиков
Лори Роуэн прославился тем, что выкладывал в Instagram забавные ролики о своих героях. Это увлечение принесло ему проекты от таких клиентов, как Disney, BBC и MTV — а в процессе он был номинирован на премию BAFTA, и выиграл ее. Однако, толчком и вдохновением к созданию этих его коронных анимированных роликов был далеко не самый удачный период в жизни Роуэна, когда он занимался юмором в жанре стендап.
«Юмор научил меня быть кратким. Можно сказать, что это принцип работы шутки!» — объясняет Лори. Благодаря своим успехам и провалам на сцене, Роуэн научился грамотно структурировать свои ролики. «Ты очень быстро понимаешь, на какие точки нужно давить!» — смеется аниматор.
19. Чем проще — тем лучше
Важно чувствовать, когда уместно преувеличение, а когда лучше сохранить простоту. Орум подчеркивает: «Я всегда стараюсь обойтись как можно меньшим количеством линий. Это не означает, что я делаю работу абы как. Я вкладываю в проработку персонажа много сил, продумываю его расположение, стараюсь сделать его объемным, но при этом по максимуму упрощаю дизайн. Мне нравится, когда каждая линия и каждый цвет в образе персонажа несет в себе какую-то важную информацию о нем».
20. Продумайте образ со всех ракурсов
В зависимости от того, как вы намерены использовать персонажа в дальнейшем, вам может потребоваться, чтобы он удачно смотрелся со всех ракурсов. Иногда, если посмотреть на персонажа под другим углом — его образ раскрывается по-новому. Например, у плоского, казалось бы, героя, может оказаться огромный пивной животик — если посмотреть на него сбоку.
Юрявичюс и Рилла Александер в ходе своего экспресс-воркшопа по дизайну персонажей на фестивале Pictoplasma 2019 дали участникам такое задание: нарисовать своего персонажа в позе одного из участников воркшопа — а-ля рисование с натуры. Это полезное упражнение, чтобы получше узнать своего персонажа.
Если вы намерены использовать персонажа на страницах комикса, важно не только продумать его образ с разных ракурсов, но и убедиться, что он во всех вариантах выглядит выигрышно.
Когда Люк Пирсон создавал комикс с Хильдой в главной роли, он столкнулся со множеством творческих проблем: как нарисовать Хильду сзади, чтобы волосы не съедали ее силуэт? Как будет выглядеть сверху ее берет? Как выглядит ее нос с разных ракурсов? На каждую проблему художник нашел творческое решение.
21. Перенесите персонажа в 3D
Если ваш персонаж будет существовать в трехмерном мире: например, в виде 3D-анимации или вообще в форме настоящей игрушки — очень важно сразу продумать его рост, вес и другие физические характеристики. Можно даже пойти еще дальше и сделать модель.
«И даже если вы не работаете в 3D, отрисовав своего персонажа в трех измерениях, вы узнаете о нем много нового», — подсказывает Александер.
22. Тщательно подберите цвета
За счет цвета можно классно раскрыть характер персонажа. Темные цвета, такие как черный, фиолетовый и серый, обычно используют для изображения злодеев. Светлые же цвета — оттенки белого, голубого, розового и желтого — создают образ чистоты и невинности. Насыщенные и чистые базовые цвета: красный, желтый, синий — часто используют в комиксах при изображении супергероев, поэтому они могут придать вашим персонажам геройские черты.
«Чтобы подобрать грамотную цветовую палитру для вашего персонажа, важно знать базовые правила цвета», — объясняет Орум. «Вам нужно разобраться, какие цвета относятся к основным, вторичным и третичным, что такое монохромные и комплементарные цвета и т.п. Есть одна простая и эффективная техника создания удачной цветовой палитры: выбираете пару комплементарных цветов и создаете на базе каждого монохромную палитру.
Комплементарные цвета будут придавать образу динамику, а монохромные оттенки — создавать ощущение спокойствия. Можно также попробовать применить триадическую цветовую схему — то есть добавить в палитру третий цвет (например, фиолетовый, оранжевый или зеленый), а потом так же разложить все три цвета на монохромные оттенки — но это уже потребует грамотного планирования и большого мастерства в работе с цветом. Так что если вы в этом деле новичок — лучше не усложняйте».
23. Не забудьте о волосах
«Несколько лет назад я ненавидел рисовать волосы. А потом — полюбил», — рассказывает Орум. «Дело в том, что раньше я прорисовывал волосы во всех деталях и направлениях — и этот процесс казался очень скучным и утомительным. А сейчас я рассматриваю волосы как единую, большую органическую форму, которая развевается как флаг на ветру и усиливает движения персонажа или подчеркивает его окружение».
«Для начала создайте крупную форму и поделите ее на небольшие секции. Подумайте, где будет линия роста волос и где они будут разделяться в пробор. Каждая линия должна работать на создание объема, формы и направления волос».
24. Добавьте аксессуары
Аксессуары и одежда тоже раскрывают личность персонажа и его историю. К примеру, мятые и потертые вещи говорят о том, что персонаж беден, а обилие бриллиантов и побрякушек указывают на богатство и отсутствие вкуса. Иногда аксессуары в буквальном смысле являются продолжением образа персонажа: например, попугай на плече пирата или личинка в глазу скелета.
25. Уделите внимание выражению лица персонажа
Лицо — главное отражение личности персонажа. То, как он выражает различные чувства и эмоции, раскрывает его характер. Возможно, он очень сдержан, и самые яркие переживания едва заметны на его лице, а возможно, наоборот, эмоционален и выражает даже самые незначительные эмоции яркой мимикой.
«Если вы уже хорошо владеете базовыми принципами рисования лица, поиграйте с разными выражениями лица персонажа», — советует Орум. «Понаблюдайте в зеркало за собственным лицом. Отмечайте самые незначительные изменения мимики. Поводите бровями, повыражайте разные эмоции. Не делайте лицо персонажа симметричным: в жизни половины лица всегда отличаются, и асимметрия сделает вашего персонажа более живым. Еще одна хорошая живая деталь — легкий наклон головы».
Классические примеры преувеличенных выражений лица можно найти в работах легендарного Текса Эйвери: когда его Дикий Волк (Wild Wolf) взволнован, он так выпучивает глаза, что они вылезают из орбит далеко вперед! Еще один пример того, как мимика раскрывает характер — невозмутимый Друпи, чье лицо не выражает практически никаких эмоций.
26. Придумайте, к чему стремится персонаж
Характер персонажа ярко раскрывается в контексте его целей и стремлений. Подумайте: чего ему не хватает? Чего он хотел бы достичь? Возможно, разбогатеть, найти подружку или разгадать какую-то загадку? Жизненная цель вашего персонажа может стать движущей силой вашей истории. Кроме того, стремления и поиски персонажа могут находить отражение в его облике — и это тоже может стать его фишкой.
Если вы планируете использовать персонажа в комиксах или анимации, обязательно продумайте историю его жизни. Откуда он родом? Как появился на свет? Какие события повлияли на становление его личности? Иногда история жизни персонажа может быть интереснее, чем его нынешние приключения.
«Если вы никак не можете уловить суть личности персонажа, попробуйте поставить его в какую-то необычную ситуацию», — советует Орум. «Придумайте историю, которая сформировала характер вашего героя, и оттолкнитесь от нее — а детали проработаете потом. Если вы испытываете страх чистого листа — начните с создания истории персонажа. Это бывает очень эффективно — и к тому же весело!»
27. Персонаж — это не обязательно лицо
Юкай Ду — нетипичный дизайнер персонажей. В центре ее работ не лица, а руки. Когда-то художница поняла, что ей не очень удаются эмоции на лице. Поэтому она переключилась на руки. «Руки — очень экспрессивная часть тела. Они могут рассказать множество историй, причем сделать это очень тонко», — делится художница. Рассказывать истории через руки стало ее фишкой.
28. Дизайн персонажа должен быть гибким
Здорово, если у вас есть хороший софт для рисования и качественные материалы для работы, но залог создания удачного персонажа — не в этом. Множество классных персонажей были созданы задолго до появления персональных компьютеров и фотошопа.
Если персонаж действительно сильный, для его изображения достаточно ручки и бумаги. Как говорит Суне Элерс: «Если персонаж хороший, его можно нарисовать и грязью на асфальте».
29. Собирайте обратную связь
Покажите людям свои работы и спросите, что они думают. Причем не спрашивайте просто на уровне нравится/не нравится. Лучше спросите, читаются ли в персонаже те черты характера, которыми вы старались его наделить? И не задавайте вопросы всем подряд: найдите тех людей, кто, по-вашему, входит в вашу целевую аудиторию, и спрашивайте конкретно их мнение.
30. Будьте честны
«Многие мои коммерческие проекты становятся продолжением личных. Поэтому я стараюсь быть предельно честным в своих работах и делать только то, что мне действительно нравится. Я думаю, аудитория чувствует, что я работаю от души, а не просто нажимаю кнопки», — рассказывает иллюстратор Джон Бонд. Недавно он выпустил первую иллюстрированную книгу «NOT LOST» о своем персонаже Мини Кролике.
31. Создайте подходящую среду
Когда вы создаете персонажа, вам нужно продумать не только его прошлое (то есть историю жизни, как мы говорили ранее), но и его настоящее — то есть среду, в которой существование вашего персонажа органично и правдоподобно. Мир, в котором живет ваш персонаж, должен «подходить» ему и соответствовать его целям и стремлениям.
32. Отточите образ персонажа
Постарайтесь критически оценить каждый элемент своего персонажа — особенно черты лица. Иногда даже небольшая корректировка дизайна персонажа может сильно изменить то, как люди его воспринимают.
Вот что советует иллюстратор Нил МакФарланд: «Ваш персонаж должен быть словно живой! Вам нужно сделать его образ притягательным, вдохнуть в него настоящую магию, чтобы зритель мог ярко представить встречу с ним в реальности: как бы он двигался, как жестикулировал и т.п.»
33. Не бойтесь что-то менять
От года к году, от книги к книге, Хильда заметно менялась. Создатель персонажа Люк Пирсон рассказывает, что это получалось само собой — никто его на это не подталкивал. «Мне нравится думать, что это является признаком сильного персонажа: Хильда выдержала самые разные изменения и осталась собой».
