“Хорошая композиция подобна подвесному мосту: каждая линия делает конструкцию более прочной и ничего не отнимает. Настоящий художник рисует свою картину сначала в голове — и только потом на холсте, и он твердо уверен в своем творческом методе и в своей композиции”
— Роберт Генри, американский художник-реалист и педагог.
Вы читаете перевод статьи «A Comprehensive Guide To Composition For Artists». Переводы — это один из моих способов исследовать возможности в творческом мире. Над переводом работали Настя Никсен и Оля Жолудова.
Перед вами полное руководство по композиции. В этом материале мы затронем вот такие темы:
- Что такое композиция в искусстве?
- Композиция в двух вопросах
- Выстраивать композицию или копировать с референса: в чем разница?
- Визуальные элементы (кирпичики, из которых состоит любая картина)
- Принципы искусства (цемент, который их удерживает)
- Правила композиции, теории и техники
- Фрейминг
- Ведущие линии
- Золотое сечение
- Правило третей
- Правило нечетных чисел
- Треугольники
- Нарушаем правила композиции
- Типичные ошибки в композиции
- Чек-лист разбора композиции
- Работы выдающихся мастеров
- Главные выводы
Что такое композиция в искусстве?
Композиция — понятие широкое. Настолько широкое, что сложно дать одно четкое определение. Мне нравится думать, что композиция — это то, как мы выстраиваем визуальные элементы, чтобы передать наши представления о предмете.
Картина с хорошей композицией понятна, лаконична и интересна. Все элементы ее работают в идеальной гармонии. Она выглядит целостной.
Картину с плохой композицией выявить сложнее. Если картина плоха, на то может быть множество причин, и бывает сложно выделить одного главного «виновника». Бывает смотришь на такую картину и понимаешь: что-то в ней не так; но что именно — сказать трудно.
Композиция в двух вопросах
Всю теорию композиции можно свести к двум основным вопросам:
- Что вы хотите сказать? (Какая ваша большая идея? Какое сообщение вы хотите передать через свою работу?)
- Как вы собираетесь это сказать? (Как вы планируете расположить визуальные элементы, чтобы в совокупности они передавали ваше сообщение?)
Приведу пример. Вот фотография, которую я хочу нарисовать:
Что я хочу сказать? Я хочу запечатлеть красивый контраст между теплыми частями пейзажа, подсвеченными солнцем, и прохладными оттенками в тени деревьев… мне нравится, какие формы образует нависающее дерево, какой узор складывается из ветвей и листьев… а также бирюзовый цвет воды.
Как я собираюсь это сказать? Нужно добиться такого эффекта, чтобы светлые части выделялись на фоне затемненных. Ключ — в контрасте. Для ветвей и листьев я планирую использовать сложные цвета и плотные текстуры. Я устраню лишний «шум», особенно в тени. В тенистых участках я усилю оттенки фиолетового, синего и зеленого и приглушу черные, коричневые и серые тона.
В правилах и теориях композиции легко запутаться. Поэтому я рекомендую всегда возвращаться к этим двум вопросам. Ответив на эти вопросы на старте, вы приступите к работе уже более сфокусировано, с пониманием, куда двигаться. Потому что художники чаще всего совершают ошибки в композиции именно из-за того, что не понимают, в каком направлении двигаются. Они начинают картину с определенным видением в голове, а потом переключаются на что-то другое и меняют направление. Очень скоро первоначальное видение полностью теряется, и картина превращается в непонятную кучу идей. У Роберта Генри в книге «The Art Spirit» есть классный отрывок об этом:
“Работа должна начинаться с глубокого впечатления: самого яркого и интересного — самого лучшего впечатления о модели, с которой вы работаете. Этот мысленный образ нужно сохранять на протяжении всего рабочего процесса; не видеть ничего кроме него; не отступать от него ни при каких условиях; выхватывать те аспекты модели, которые создают это впечатление. В этом случае ваша работа получится органичной”
— The Art Spirit, страница 17
Выстраивать композицию или копировать с референса: в чем разница?
Хочется подчеркнуть разницу между выстраиванием композиции картины и банальным копированием референса. Многие художники, рисуя с референса, изо всех сил стараются воспроизвести его с предельной точностью. Но этих усилий никто не оценит. Люди, глядя на картину, не будут видеть референса. Поэтому картина должна быть самодостаточной.
Бывают ситуации, когда лучше отклониться от референса. Возможно, в нем есть какие-то детали, которые плохо считываются или отвлекают от сути или не вписываются в общий образ. Вы, как художник, имеете полное право на творческую вольность: вы можете менять референс как угодно.
К примеру, ниже вы видите мою картину Мэривейл, туманное утро (Maryvale, Foggy Morning), а также фото-референс по которому я ее рисовал. Моя картина самодостаточна. Я не копировал референс в точности, а использовал его как ориентир и обращался к нему, чтобы воспроизвести то самое первое впечатление от пейзажа.
Визуальные элементы: кирпичики, из которых состоит любая картина
Визуальные элементы — это кирпичики, из которых состоит любая картина. Кроме того, это ваш инструмент для выстраивания композиции. Вот какие визуальные элементы можно выделить:
Линия (Line): Тонкая черта, соединяющая две точки. Это самый основной визуальный элемент в вашем распоряжении.
Форма (Shape): Область, ограниченная замкнутым краем.
Цвет (Color): Различные оттенки (красный, синий, оранжевый, зеленый — все это разные оттенки).
Текстура (Texture): Насколько грубая, гладкая, глянцевая поверхность вашей картины. Это может быть как физическая текстура картины, так и иллюзия текстуры, созданная выразительными средствами.
Яркость (Value): Насколько цвет светлый или тёмный
Пространство (Space): Пространство, занятое объектами (позитивное пространство), и свободные области между элементами (негативное пространство).
Глубина (Depth): Иллюзия расстояния на плоской поверхности. Обычно глубину рассматривают в разрезе трех планов: передний план, средний план и задний план.
Принципы искусства: цемент, который скрепляет все элементы вместе
Если визуальные элементы — это кирпичики, то принципы искусства — это цемент, который скрепляет эти кирпичики. Вот какие принципы искусства можно выделить:
Ритм (Rhythm): Визуальный темп работы, который создается посредством повторения и паттернов.
Баланс (Balance): Визуальное уравновешивание элементов.
Акцент (Emphasis): Выстраивание элементов с целью направить внимание на конкретные области. Другими словами, это основной фокус (focal point).
Градация (Gradation): Постепенное изменение определенного элемента, которое помогает связать композицию (длинные линии переходят в короткие, крупные формы — в более мелкие, темные тона — в светлые и т.д.)
Гармония (Harmony): То, как отдельные части картины складываются в единый образ или идею.
Разнообразие (Variety): Использование различных элементов, чтобы создать контраст и сделать картину более интересной.
Движение (Movement): Иллюзия движения, которая создается через грамотное расположение визуальных элементов (представьте себе энергичные мазки Ван Гога).
Пропорции (Proportion): Относительный размер элементов по отношению друг к другу.
Одно небольшое «но»: не нужно слишком заострять внимание на этих определениях. Не нужно их запоминать. Они нужны лишь для того, чтобы описывать композицию, словесно анализировать ее. При построении композиции не думайте о терминах, а сосредоточьтесь на вопросах: что вы хотите сказать и как вы намерены это сказать?
Правила композиции, теории и техники
Есть ряд правил, теорий и техник, которые помогают в создании более интересных композиций. В этой статье мы рассмотрим самые важные из них. Однако, не нужно следовать им неотступно: отнеситесь к этим правилам и техникам как к рекомендациям.
Фрейминг (Framing)
Фрейминг — это такое расположение форм и элементов на картине, при котором они словно «обрамляют» определенную область. Зачем художники используют фрейминг? Затем же, зачем картину физически оформляют в раму: чтобы направить и сфокусировать наше внимание.
На потрясающем пейзаже Эдгара Пейна (ниже) мы видим как деревья на переднем плане обрамляют залитый светом дальний план.
Я использовал похожий прием в своей картине.
Ниже вы видите более очевидный пример фрейминга: окно «обрамляет» пейзаж на дальнем плане.
Подсказка: Не нужно выдумывать искусственное «обрамление» для объектов на картине. Лучше подумайте, как можно расположить элементы, которые уже на картине, чтобы с их помощью направить внимание на самые важные участки композиции. К примеру, большое дерево может естественно обрамлять картину по левому краю.
Направляющие линии (Leading Lines)
Направляющие линии — это линии, направляющие внимание зрителя по картине. Это могут быть как настоящие линии, так и воображаемые. Например, это может быть линия зрения (line of vision) — воображаемая линия, которая соответствует направлению взгляда героя картины. Посмотрите на картину Джона Сингера Сарджента (ниже). Так и хочется посмотреть туда же, куда смотрит герой.
Золотое сечение (Golden Ratio)
«Без математики нет искусства»
— Лука Пачоли
Золотое сечение — это соотношение 1 к 1,618. Считается, что дизайны, построенные с учетом золотого сечения, более эстетичны и гармоничны.
В рамках этой статьи мы не будем вдаваться в тонкости золотого сечения, потому что я считаю «Правило третей» (вариацию этой концепции) более практически применимым.
Правило третей (Rule of Thirds)
Правило третей заключается в том, что мы «накладываем» на нашу картину сетку три на три и выстраиваем композицию по линиям этой сетки. Линии сетки и точки их пересечения — это «беспроигрышные» зоны, в которых следует разместить ключевые аспекты картины. К примеру, вы можете расположить точку основного фокуса картины (focal point) на пересечении линий или пустить горизонт по верхней горизонтальной линии.
В качестве примера рассмотрим картину Ивана Шишкина «Утро в сосновом лесу». Обратите внимание на следующие аспекты:
- Все медведи находятся в области центрального сегмента сетки.
- Медвежонок справа вытянулся вдоль правой вертикали.
- Самое заметное дерево почти совпадает с левой вертикалью.
- Передний план совпадает с нижней горизонталью.
- Каждый сегмент сетки уникален.
(Вот бесплатный инструмент для добавления сетки: вы можете накинуть ее на фото-референс или на фотографию вашей картины).
Упрощение (Simplification)
Пожалуй, самая важная концепция в создании композиции — это упрощение. Суть упрощения в том, чтобы убрать весь «шум», все ненужные детали, и сделать композицию более целостной и гармоничной. То есть мы упрощаем всё лишнее, чтобы привлечь внимание к важному.
Вот несколько способов, как можно упростить композицию:
- Ограничить цветовую палитру (упрощение цвета).
- Сузить диапазон яркости (value) (упрощение яркости).
- Использовать более крупные кисти (упрощение инструментов).
- Делать в менее важных областях картины более широкие мазки (упрощение деталей).
Импрессионисты мастерски владели искусством упрощения. Они отфильтровывали весь шум и детали и изображали предметы в их фундаментальной сути.
Возьмем, например, Крымский пейзаж Константина Коровина. Художник не стремился изобразить каждую деталь, каждый блик, каждую тень. Наоборот, большая часть картины расплывчата и двусмысленна. Но в целом композиция работает, потому что Коровин здорово поймал те детали, которые действительно важны.
Посмотите, в какой абстрактной манере Клод Моне написал свою картину Впечатление. Восходящее солнце. Художник запечатлел только форму, а в остальном оставил большой простор для нашего воображения.
Правило нечетных чисел (Rule of Odds)
Суть правила нечетных чисел в том, что нечетное количество любых объектов кажется нам более интересным и естественным, чем четное. То есть стайка из трех птиц больше заинтересует нас, чем если бы их было две или четыре. Одна из причин такого восприятия в том, что в четных количествах мы можем видеть слишком много симметрии.
Поль Сезанн придерживался этого правила во многих своих натюрмортах.
Посмотрите на мою старую картину Три лодки в заливе Кингфишер (ниже). Как вы думаете, что изменилось бы, изобрази я только две лодки? По-моему, картина смотрелась бы странно.
Подсказка: Если ваш предмет изображения содержит четное количество объектов, возможно, имеет смысл добавить или убрать один объект, чтобы добиться нечетного количества. К примеру, если вы рисуете пейзаж с двумя птицами в небе, попробуйте добавить третью. Однако и не стоит слишком отклоняться от референса в попытке соблюсти правило.
Треугольники (Triangles)
Это правило вытекает из правила нечетных чисел: треугольные компоновки считаются более эстетически приятными. Возможно, дело в природной асимметрии. А если треугольник расположен основанием вниз, это еще и создает мощный эффект структуры и устойчивости (вспомните Египетские пирамиды).
Заметьте, как цветы и ваза на натюрморте Сезанна (ниже) образуют треугольную форму. Важная ремарка: не нужно создавать явные и четкие треугольники. Достаточно расположить объекты так, чтобы их форма отдаленно напоминала треугольник. В живописи часто работает закон «меньше = больше».
В своей картине Веллингтон-Пойнт, Мерцающий свет я применил треугольники при построении композиции. Представьте, как изменилась бы картина, если бы я использовал прямоугольные формы для переднего плана. Мне кажется, картина получилась бы более приземленной и плоской. Треугольники в композиции упрощают переход от одной области картины к другой — и в этом их преимущество.
Нарушаем правила композиции
Правила композиции на самом деле никакие не правила. В том смысле, что они существуют, потому что в большинстве случаев они работают. Однако бывают моменты, когда лучше игнорировать правила и слушать свою интуицию.
В конце концов, если вы все неукоснительно соблюдали все правила композиции, то все картины были бы примерно одинаковыми. И в чем тогда прелесть искусства?
Под каждое правило можно найти картину, которая блестяще его нарушает. Вот, например, картина Абрама Архипова Улыбающаяся девушка (ниже). Голова героини упирается в верхний край картины. Если следовать правилам, нужно немного переместить девушку вниз и создать сверху негативное пространство. Но в данном случае художник за счет именно такой композиции создает ощущение близости.
У меня есть статья с кучей примеров того, как художники нарушают правила композиции.
Типичные ошибки в композиции
С тех пор как я основал сообщество и школу Draw Paint Academy, через меня прошли тысячи работ студентов. Основываясь на этом опыте, я собрал список типичных ошибок, которые начинающие художники допускают при построении композиции. Но имейте в виду: то, что кажется ошибкой в одной картине, может стать выигрышным решением в другой. Композиция — штука хитрая. Так что повторюсь: не нужно сразу кидаться исправлять ошибки, которые я перечисляю ниже. Просто обратите свое внимание на эти аспекты.
Точка фокуса с краю картины
Точка фокуса — это ключевой элемент или идея вашей картины. Ее следует расположить на видном месте, а не по краям.
Выравнивание объектов
Когда объекты на картине выровнены по одной линии (например, самое высокое дерево находится на одной горизонтали с вершиной горы на горизонте), это может выглядеть неестественно.
Слишком много шума
Не нужно изображать каждый оттенок, текстуру, блик и тень. Упрощайте. В результате картина получится более гармоничной и целостной.
Нет искры
Никакая композиция не спасет картину, в которой нет яркой идеи или искры вдохновения.
Линия горизонта ровно посередине
Не то, чтобы это проблем, но как правило что-то на картине должно доминировать: либо земля/вода, либо небо.
Слишком много прямых линий (особенно в пейзажах)
Прямые линии создают ощущение жесткости и неподвижности. Добавляйте больше изгибов и закруглений. Как пишет Стив Хьюстон в своей книге Figure Drawing for Artists (страница 38):
“Мир полон плавных волнистых линий. Просто оглянитесь вокруг!”
Трансформации не в том направлении
Если вы намерены преувеличить какие-то элементы картины, убедитесь, что трансформируете их в направлении вашей большой идеи. Рисуете живописный закат? Сделайте его еще теплее. Если это геометричный городской пейзаж, сделайте его еще жестче и прямее. А если на вашей картине морской шторм, затемните цвета и увеличьте волны.
Ненужные объекты
Если объект никак не усиливает композицию, зачем он нужен на картине?
Ведущие линии уходят за пределы картины
Линии — это очень сильный элемент. Наш взгляд всегда следует за линиями. Поэтому следите, чтобы линии на картине не уводили внимание зрителя за ее пределы.
Набор частей
Ваша задача — создать красивую картину, а не набор красиво изображенных частей. Всегда держите в голове картину целиком, не теряйте ощущения целостности.
Упущенные возможности
Используйте любую возможности передать свою идею. Например, трава на картине может создавать направление и движение. Волосы могут обрамлять лицо. За счет бликов можно усилить структурность. Всегда думайте, как каждый элемент картины может работать на общую идею.
Застревание в привычных формах
Не рисуйте одну и ту же композицию снова и снова. Пробуйте новое. Посмотрите на мою картину Дерево в перспективе. Я бы мог нарисовать свой типичный пейзаж, но я решил посмотреть наверх — и нарисовал дерево под необычным углом.
Чек-лист разбора композиции
Я собрал простой чек-лист, при помощи которого вы сможете разбирать и анализировать картины великих мастеров (или свои собственные).
Сейчас я разберу свою картину Коби на основании этого чек-листа, чтобы вы лучше поняли, как его использовать. Итак, сама картина, вопросы из чек-листа и мои ответы:
Сторителлинг: Что хочет сказать художник? Какая история лежит в основе? (Подсказка: отследите, какой визуальный путь проделывает ваш взгляд. Куда художник направляет ваше внимание?)
Эту картину я нарисовал в подарок своей прекрасной возлюбленной Шонтель. Ей как раз исполнилось 30 лет. Коби, наш пес, был по сути нашим первым ребенком, так что мне хотелось нарисовать его очень классно.
История проста: через картину я хотел передать улыбку Коби и его добрый нрав.
Точка фокуса: Есть ли на картине явная точка фокуса? Где она находится? Как художник направляет наше внимание в эту точку?
Да, это Коби!
Я направляю на него внимание при помощи позиционирования, деталей и контраста.
Второстепенные точки фокуса: Есть ли на картине второстепенные точки фокуса? Зачем они нужны?
Второстепенная точка фокуса — это сам пейзаж. Моя идея была в том, чтобы изобразить Коби в естественной, природной среде, а не просто самого по себе.
Коби нравится быть с людьми, на природе, но при этом он не любит быть в центре внимания. Типичный портрет животного здесь не подошел бы.
Фрейминг: Есть ли на картине элементы, которые «обрамляют» какую-то ее часть?
Зелень и океан обрамляют верхнюю часть картины. Вода на земле и отражения в ней обрамляют Коби справа.
Движение / ведущие линии: Есть ли в картине ощущение движения или какого-то действия? Какова природа этого движения?
Это довольно статичная картина; единственное движение — это энергичное дыхание Коби и дуновение ветра в его шерсти.
Баланс: Картина выглядит сбалансированной? Кажутся ли какие-то ее части более весомыми и тяжелым по отношению к другим? (Подсказка: Небольшая но насыщенная деталями область может иметь такой же визуальный вес, как большое пустое пространство).
Да, картина кажется мне сбалансированной.
Коби занимает небольшую часть картины, но он привлекает большую часть внимания.
Верхняя и нижняя части картины тоже сбалансированы. В верхней части у меня деревья, кусты, горы, вода и небо. В нижней части — Коби.
Связанные элементы: Прослеживается ли связь между отдельными частями картины?
Светлые участки шерсти Коби гармонируют с освещенными частями тротуара, на котором он лежит.
Тень на морде и туловище Коби по форме напоминает тень, которую от отбрасывает на тротуар.
Голубое отражение неба в луже на тротуаре сочетается с глубоким синим цветов океана (хоть эта связь и неявная).
Манера письма: Является ли манера письма художника важным элементом картины? Пытался ли художник посредством мазков передать суть объекта?
Для изображения шерсти Коби — и особенно ее освещенных участков — я использовал широкие, плотные мазки. Я не стремился прорисовывать каждый волосок. Скорее я старался передать общий образ за счет более явных мазков.
Крупные формы: Какие крупные, доминирующие формы есть на картине?
Пейзаж на заднем плане состоит из простых и крупных форм. Для изображения Коби я использовал более замысловатые формы.
Упрощение: Какие части картины художник упростил, а какие изобразил в деталях?
Я упростил пейзаж, а в деталях изобразил Коби. Но в живописи все относительно. Если сузить внимание до одного лишь Коби, становится очевидно, что морда проработана более детально, а туловище во многом упрощено.
Работы выдающихся мастеров
Лучший способ постичь композицию — анализировать картины выдающихся мастеров и размышлять: как они подходили к работе и как вы можете их превзойти. Таким образом вы быстро освоите язык композиции.
Давайте вместе разберем несколько примеров картин выдающихся художников и проанализируем их с точки зрения композиции.Сэр Артур Стритон, Австралия Феликс. Главная тема этой картины — глубина. Узкая полоска переднего плана, плавная градация цвета: всё усиливает ощущение расстояния.
Анна Алтея Хиллз, Морской пейзаж. Природа на переднем плане обрамляет залитый солнцем задний план. За счет этого, между передним и задним планом создается мощный контраст: контраст темного и светлого, насыщенного и приглушенного, сложного и простого.
Камиль Писсарро, Бульвар Монмартр зимним утром. Это сложная композиция со множеством движущихся частей. Здесь важную роль играет упрощение. Писсарро не стал прорисовывать каждую мельчайшую деталь. Он упростил и заглушил большую часть «шума». За счет архитектуры художник создал перспективу и мощное ощущение линейности (здания, машины и люди по мере ухода в перспективу кажутся все более крохотными и бледными)
Андерс Цорн, Читающая Эмма. Это очень интимная композиция с небольшой глубиной. Предмет изображения не подозревает о существовании зрителя. Это очень настоящая сцена. Художник привлекает наше внимание к героине за счет контраста яркости. Здесь присутствует явная, сильная линия зрения. Интересно, какие новости она читает?
Джон Сингер Сарджент, Сиеста. Это расслабленная композиция: две девушки отдыхают на природе. Художник выбрал интересную точку обзора: она создает перспективу и глубину. А еще эта картина — отличный пример работы с положением тела и структурой.
Джон Сингер Сарджент, Разведка. На картине абстрактный фон и сильная точка фокуса: человек. Четкие контуры отделяют предмет изображения от фона, за счет чего создается ощущение глубины. Контраст также привлекает внимание к герою картины. Остальные части картины упрощены: они менее яркие, в них меньше деталей. На картине прослеживается явная линия зрения героя, но взгляд его не направлен ни на что конкретное. Таким образом художник передает идею отстраненности героя.
Валентин Серов, Девочка с персиками. Эта картина чем-то похожа на картину Андерса Цорна, Читающая Эмма, но в данном случае предмет изображения смотрит прямо на зрителя. Заметьте, как это меняет композицию. Взгляд девочки приковывает внимание.
Николай Богданов-Бельский, Девочка в лесу. Эта картина нарушает одно из «правил» композиции: девочка смотрит вбок, таким образом уводя наше внимание за пределы картины. Но в данном случае такое направление взгляда подчеркивает отстраненность героини.
Винсент Ван Гог, Сад с бабочками. Кого никогда не сдерживали правила и стандарты, так это Ван Гога. Его композиции очень разнообразны. Особенно меня восхищает его способность вдыхать жизнь и движение в относительно простые композиции. Обратите внимание на эти энергичные мазки!
Главные выводы
Вот несколько ключевых идей, которые я пытался донести этой статьей:
- “Хорошая композиция подобна подвесному мосту: каждая линия делает конструкцию более прочной и ничего не отнимает” — Роберт Генри
- Все правила и теории композиции можно свести к двум простым вопросам: Что вы хотите сказать? Как вы собираетесь это сказать?
- Выстраивать композицию — не равно копировать с референса. Вы, как художник, можете убирать, добавлять и менять элементы референса как считаете нужным.
- Визуальные элементы — это кирпичики, из которых строится композиция. Принципы искусства — это цемент, который скрепляет эти «кирпичики».
- Не нужно слишком заострять внимание на этих определениях. Их назначение в том, чтобы помогать нам описывать и понимать композицию. Не нужно знать наизусть термины, чтобы создавать прекрасные композиции.
- Техники, правила и теории работают в большинстве случаев. Но не нужно фанатично им следовать: доверяйте своей интуиции.
