Стили искусства эпохи модернизма — 12 главных арт-техник и направлений

Привет, я Настя Никсен, художник-иллюстратор и бренд-дизайнер🔥. Работаю над коммерческими проектами и обучаю сюжетной иллюстрации в Niksen.School. Больше о моих проектах в Таплинке →

Вы читаете перевод статьи «12 Most Important Art Techniques of Modern Times» опубликованной в TheCollector — международном онлайн-издании об искусстве, истории и культуре. С 2019 года платформа публикует материалы, написанные исключительно авторами с академическим образованием: искусствоведами, историками, археологами, философами и кураторами. Сегодня TheCollector объединяет более 120 авторов и сотрудников, а его статьи читают миллионы людей по всему миру.

Переводы — это один из моих способов исследовать возможности в творческом мире. Над переводом работали Настя Никсен и Оля Жолудова.

Материалы в этой статье помогут вам расширить художественный кругозор и познакомиться с техниками, которые сформировали современное искусство (какие выразительные возможности стоят за коллажем, энкаустикой, ассамбляжем, лэнд-артом и другими направлениями), а также вдохновит попробовать новые приемы в собственной практике.

Художники эпохи модернизма активно экспериментировали с различными материалами и техниками, формируя стили искусства модернизма. Кто-то подмешивал в краску песок, кто-то — использовал в своих работах найденные на улице предметы. В этой статье мы разберем 12 техник модернизма в изобразительном искусстве, которые были особенно популярны в то время. 

Эпохой «современного искусства» (modern art) — или эпохой модернизма — принято считать период с конца 19 до середины 20 века. Этот период в искусстве начался сразу после окончания серии бурных революций и войн в Европе и Америке, когда стремительно стали развиваться технологии и начался активный рост городов. 

Все эти изменения кардинально повлияли на образ жизни, социальные структуры и повседневность людей. Естественно, и изобразительное искусство — одновременно и продукт, и инструмент трансформации культуры — претерпело огромные изменения, которые определили модернизм в искусстве. Откликаясь на новые реалии, художники начали экспериментировать с материалами, формами и художественными техниками, проявляя характерные черты модернизма в живописи и стараясь уловить и выразить дух времени.

1. Коллаж и ассамбляж в стилях искусства модернизма

Коллаж и ассамбляж — это техники создания художественных произведений из разнородных фрагментов и объектов. Коллажи обычно делают из бумаги на плоской поверхности, а ассамбляжи собирают из объемных предметов, причем чаще всего это предметы из реального мира — то есть не созданные специально, а купленные или даже найденные художником на улице.

Коллаж и ассамбляж впервые стали популярны в эпоху синтетического кубизма. 

*Синтетический кубизм это второе и более позднее направление в развитии кубизма, возникшее после аналитического кубизма. Если аналитический кубизм стремился разложить объект на части, разобрать форму, показать ее с разных ракурсов одновременно, то синтетический кубизм, напротив, собирал изображение из разнородных элементов. 

Основоположники синтетического кубизма Пабло Пикассо, Жорж Брак и Хуан Грис использовали вырезанные фрагменты как способ придать живописи визуальной сложности и связать ее с материальным миром. 

Позднее эти же техники подхватили нео-дадаисты и поп-арт-художники — представители разных направлений модернизма в искусстве — уже для того, чтобы раскрыть темы потребительства (консьюмеризма) и массовой коммуникации через язык рекламы.

Узнайте, какие техники сегодня используют художники и дизайнеры в коммерческой иллюстрации в статье — ТОП-15 основных техник в книжной иллюстрации, журналах, рекламе и упаковке.

2. Жестовая живопись

Термин «жестовая живопись» (gesture painting) появился в эпоху абстрактного экспрессионизма, ярко демонстрируя модернизм как стиль в искусстве. В этой технике работали Джексон Поллок, Ли Краснер, Ханс Хофман и другие художники-модернисты. 

Абстрактные экспрессионисты как правило использовали в работе крупные холсты и работали на них широкими, размашистыми мазками. При создании своих произведений они буквально включали в работу все тело: постоянно передвигались вокруг холста и активно жестикулировали. 

В отличие от сдержанной и аккуратной станковой живописи (на мольберте), жестовая живопись была способом передать внутреннее эмоциональное состояние художника через активные движения кистью.

О практическом взгляде на работу с образами можно узнать из интервью Давиде Бонации о приемах визуальной метафоры в искусстве.

3. Капельная живопись (дриппинг) 

Еще одна техника в рамках абстрактного экспрессионизма — дриппинг (drip painting), или капельная живопись. Суть техники в том, что художник в буквальном смысле капает (или даже выливает) на холст краску прямо из банки. 

Еще до того, как нью-йоркские абстрактные экспрессионисты сделали капельную живопись своей визитной карточкой, с этой техникой экспериментировали европейские художники — например, Франсис Пикабия и Макс Эрнст. Но, конечно, самый известный представитель этого стиля — это Джексон Поллок. Он подвешивал банки с краской на веревках и запускал их над холстом, разложенным прямо на полу его сарая-мастерской. Эксперты по творчеству Поллока утверждают, что в этих своих работах художник вдохновлялся традиционной песочной живописью народа навахо, где рисунок создается из струй и пятен цветного песка.

4. Дивизионизм

Техника дивизионизма (divisionism) была особенно популярна среди пост-импрессионистов, которые в своем творчестве основывались на современных научных исследованиях в области оптики и света. 

В то время ученые считали, что человеческий глаз воспринимает сложные цвета как результат смешения мельчайших цветовых фрагментов из основного спектра. Импрессионисты-дивизионисты стремились воссоздать этот эффект на холсте, собирая изображения из крошечных мазков основных цветов. Картины Поля Синьяка и Жоржа Сера напоминали мозаику: множество маленьких мазков складывались в единую живую игру света и цвета.

5. Импасто

Импасто — это техника наслоения краски (обычно масляной или акриловой) плотными рельефными мазками. Для усиления эффекта фактурности некоторые художники добавляют в краску песок, опилки и другие материалы, таким образом делая ее еще гуще. 

Техника импасто появилась вскоре после того, как масляная краска стала основным художественным материалом. Такие художники, как Рембрандт и Вермеер, применяли эту технику, чтобы сделать свои портреты более объемными; плотными фактурными мазками они обыгрывали морщинки, глаза и украшения.

В искусстве 20 века импасто стало отдельным выразительным приемом: его использовали, чтобы придать абстрактным композициям драматизм и задать визуальный ритм.

6. Ксилография (гравюра на дереве)

Ксилография, или гравюра на дереве, — техника совсем не новая. Уже в китайских источниках 5 века она упоминается как вполне сформировавшийся и популярный художественный прием. К 12 веку технику освоили японские художники: они создавали с ее помощью сложные многослойные цветные композиции. В Европе технику стали применять в 15 веке и использовали в основном для печати книг: и текст, и изображение вырезали на одном деревянном блоке.

В эпоху модернизма ксилография неожиданно обрела новую популярность и повлияла на различные стили модернизма в искусстве. Дело в том, что в 1953 году Япония открыла свои границы для иностранцев, и европейские коллекционеры начали активно скупать японские ткани, гравюры и иллюстрации. Стиль японских мастеров сильно отличался от европейской традиции и стал настоящим вдохновением для множества художников, включая Моне и Ван Гога, которые искали новые пути в искусстве.

Следом за импрессионистами к ксилографии обратились немецкие экспрессионисты. В своих экспериментах с ксилографией они стремились возродить готическое искусство — свое национальное наследие. 

7. Скрейпинг (соскребание)

Скрейпинг (scraping, соскребание) — это необычная техника, которая стала набирать популярность в европейском изобразительном искусстве в послевоенные годы. Как и при импасто, художники наносили на холст толстые слои краски. Но вместо того, чтобы оставить их сохнуть или создать с их помощью объем, художники буквально соскребали краску — ножом, мастихином или просто обратной стороной кисти.

Одни художники за счет этой техники стремились придать своим картинам текстуру, другие утверждали, что скрейпинг дает им возможность более детально изучить изображаемый объект. 

Британский художник послевоенной эпохи Фрэнк Ауэрбах, например, мог целыми днями переписывать одну и ту же картину снова и снова, соскребая слои, пока не чувствовал, что по-настоящему понял то, что изображает. 

8. Шелкография

Шелкография — довольно старая техника, которая была популярна в Китае еще в 10 веке. Художники переносили заранее подготовленное изображение на разные поверхности при помощи натянутого куска шелка, через который краска легко просачивалась на основу. 

В Европу эта техника пришла только в 18 веке и особой популярности не получила, потому что шелк тогда стоил слишком дорого. Вторая жизнь шелкографии началась уже 1960-х, когда Энди Уорхол стал использовать ее в своих проектах, оказав влияние на последующие направления в модернизме в живописи. При помощи своих ассистентов он создал много культовых работ, одна из которых — «Диптих Мэрилин». 

9. Фотомонтаж

Стоило только появиться фотографии, как художники и фотографы стали заниматься фотомонтажом. Сначала они вручную дорисовывали элементы на фото или экспериментировали с фотопластинами при проявке, чтобы изменить изображение. Позднее, с появлением цифровых носителей, все манипуляции с фотографиями стали проводить в специальных редакторах.

Особую популярность фотомонтаж получил в эпоху сюрреализма — одного из наиболее влиятельных направлений в модернизме в живописи. Художники того времени с большим энтузиазмом исследовали новые техники для создания иллюзорных пространств. Особенно активно с фотомонтажом работали женщины-художницы — их эксперименты часто использовались в рекламе и женских журналах. Так появился целый жанр коммерческой и фэшн-фотографии.

10. Аэрография

Инструмент аэрограф изобрели ещё в 19 веке, но как техника живописи аэрография стала популярна только во второй половине 20 века. С помощью сжатого воздуха аэрограф распыляет краску на поверхность тонким ровным слоем, что позволяет создавать очень мягкие градиентные переходы, сохраняя при этом гладкую и глянцевую текстуру.

Техника аэрографии стала особенно популярна среди художников-фотореалистов, которые стремились в своих работах как можно точнее воссоздать реальность. Одна из самых известных — Одри Флэк, бывшая экспрессионистка, ставшая звездой фотореализма. Она проецировала фотографические композиции на холст, а затем прорисовывала их с помощью кистей и аэрографа, добиваясь почти фотографического эффекта.

11. Реди-мейд

Реди-мейд (от ready «готовый» и made «сделанный») — это техника без техники. Суть в том, чтобы взять готовый предмет и представить его как произведение искусства. Пионером реди-мейд был Марсель Дюшан — человек, опередивший почти все важнейшие художественные направления 12 века, включая концептуальное искусство.

Дюшан покупал в магазинах обычные вещи — такие как, например, табурет и колесо от велосипеда — и создавал из них произведения искусства. Иногда он и вовле исключал из своей работы какое-либо творчество. Так, например, его знаменитый «Фонтан» был просто перевернутым писсуаром. 

В эпоху модернизма реди-мейды считались очень спорным направлением искусства, однако сегодня очевидно, что они стали важной вехой в развитии стилей искусства модернизма, закрепив идею, что замысел художника важнее, чем его «ручной» труд.

12. Автоматический рисунок: техника из мира духовного  

Автоматическое рисование в конце 19 века придумали сюрреалисты. Изначально они использовали автоматическое рисование и автоматическое письмо на своих сеансах, чтобы входить в контакт с потусторонним миром. На этих сеансах медиум (чаще всего женщина, «настроенная» на потусторонний мир) брала в руки карандаш и начинала что-то рисовать в состоянии транса, не контролируя свою руку. То, что получалось в итоге, считалось посланием из мира духов. 

Позже эту технику переняли первые абстракционисты, в том числе Хильма аф Клинт, которая сама интересовалась спиритизмом и мистикой.

В 1930-х годах автоматическое рисование снова стало популярно — на этот раз в среде сюрреалистов, активно развивавших новые приемы модернизма в искусстве. Только теперь речь шла не о духах, а о бессознательном: художники стремились вытащить наружу скрытые мысли и образы.